Weather Becoming

파이프갤러리는 1월 20일부터 2월 14일까지 박은정 작가의 개인전 《Weather Becoming》을 개최한다. 박은정은 인간의 기본적인 감정이 어떻게 회화적으로 구현될 수 있는지를 지속적으로 탐구해 온 작가로, 그의 회화는 “정서를 시각화하는 과정”에서 출발한다. 이번 전시 제목 Weather Becoming 은 “Under the Weather”라는 표현에서 차용되었다. 이는 항해 중 폭풍이나 악천후를 맞은 서양의 선원들이 날씨의 영향을 피해 갑판 아래로 내려가야 했던 상황에서 비롯된 것으로, 문자 그대로 날씨의 영향 아래 놓여 있다는 뜻과 함께 날씨를 신체의 균형과 상태를 조정할 수 있는 외부의 힘으로 사유하게 한다. 이 맥락에서 작가는 디아스포라적 삶에서 비롯된 감각, 반복되는 장거리 이동과 시차가 초래한 신체적·정신적 혼란, 그리고 출산이라는 근원적인 신체적 체험을 캔버스에 축적해 나간다. 이러한 감각들은 고정된 정체성이나 서사적 재현으로 수렴되기보다, 불안정한 이행과 적응의 리듬으로 화면에 기록된다. 반복과 중첩, 지우기와 덮어쓰기를 거쳐 생성되는 색과 형상은 감정의 이동과 변형을 시각적으로 드러내며, 환경적, 생물학적, 정서적 요인이 결합된 허구적이면서 생태적인 공간을 구성한다.

2024년 박은정에게 첫 출산은 단순한 신체적 사건을 넘어, 존재에 대한 감각이 확장되고 감정의 구조가 재편되는 근원적인 전환점이 되었다. 이후 그는 우연히 접한 원초적 발화가 지닌 언어적 특성에 주목하게 되었고, 이를 토대로 자신만의 현대적 구절을 구성하기에 이른다. “문이 열리고 새 숨이 이 세상으로 지나오니, 피의 문을 지나 첫 울음이 길을 찾는다”라는 문구에서 반복되는 문과 숨, 살과 빛의 상징적 이미지와 리듬은 개인적 경험과 함께 공명하며, 회화 작업의 사유를 한층 확장시켰다. 이 구절에서의 몸은 기억과 경험을 담아내는 매개로 작동하며, 고정된 형상이 아닌 끊임없이 흐르고 변화하는 에너지의 상태로 존재한다. 이러한 신체에 대한 인식은 작업 속에 등장하는 몸의 이미지들과 겹쳐지며, 회화적 과정속에서 색과 형태가 재현의 요소를 넘어 우연히 떠오르는 흔적과 형상, 표식으로 재구성되는 과정을 만들어낸다. 이 기호(記號)들은 다시 풍경과도 같은 경계를 통과하며, 피와 물, 젖, 바다, 바람, 연기와 같은 원초적 물질의 상태로 환원되는 상상으로 확장된다.

특히 출산 직후의 많은 조건 아래 놓인 제한된 물리적 장(場)은, 오히려 그에게 공간의 경계를 밤의 바다처럼 끝없이 확장되는 감각으로 인식하게 했다. 신작 〈Conversation in Water〉(2025)와 〈Echo in the Mist〉(2025)에서 물은 단순한 배경을 넘어, 모성과 존재가 최초로 조우하는 감각적 장이자 언어 이전의 대화가 발생하는 매개로 작동한다. 기쁨과 고립, 두려움과 슬픔이 동시에 밀려드는 병실에서 작가와 아이는 시야와 방향을 상실한 채, 서로를 더듬듯 감지한다. 이 물속의 장면은 개인적 기억에 머무르지 않고, 관계가 생성되고 감정이 순환하는 원초적 조건으로 확장된다. 이어지는 〈Chromatic Pulse〉(2025), 〈Becoming Heat〉(2025), 〈Vapour〉(2025)에서 박은정은 기후와 감정, 감정과 신체, 신체와 빛, 물질이라는 순환적인 이행에 주목한다. 이 연작에서 순환하는 존재의 리듬은 서로의 경계를 서서히 녹이며, 하나의 감각으로 자연스럽게 접속되는 장면으로 구현된다. 한편 〈Crimson Genesis〉(2025)에서 붉은 색은 생명의 탄생이자 정서적, 육체적 관철이 폭발하는 임계의 순간을 응축한다.

박은정의 회화는 추상적 감정의 풍경을 재현하기보다, 정서와 기억, 환경적 맥락과 육체적 조건이 서로 얽히고 해체되며 다시 결합되는 존재의 형성과 변형의 과정을 탐구하는 사유의 장이다. 정서는 신체로 이행되고, 신체는 색으로 번역되며, 색은 다시 풍경으로 확장되었다가 감정의 대기로 환원된다. 이러한 순환의 리듬은 반복과 중첩, 번짐과 소거의 과정을 통해 형성되며, 회화 전반을 관통하는 감각적 구조를 이룬다. 이때 색과 형상은 숨과 열, 물과 울음, 기억의 흔적이 축적된 세계의 감각으로 작동한다. 결국 작업은 정서의 기후를 그리는 시도로서, 존재가 매 순간 변화하는 조건 속에서 새롭게 형성되고 조율되는 과정을 드러낸다. 만일 관객이 작업 앞에서 자신의 오래된 기억과 맞닿은 신체와 감정의 미세한 흔들림을 경험한다면, 그 감각은 박은정이 제시하는 세계이자 회화적 시간이 실현되는 지점일 것이다.

Pipe Gallery presents Weather Becoming, a solo exhibition by Eunjung Park, on view from January 20 to February 14. Park has consistently explored how fundamental human affect may be articulated through painting, and her practice begins with what she describes as “the process of visualizing affect.” The exhibition title Weather Becoming is derived from the phrase “under the weather,” which originated from the experience of Western sailors retreating below deck to escape storms or harsh conditions at sea. Literally meaning to be affected by weather, the phrase also implies a disturbance in bodily and mental balance, encouraging weather to be understood as an external force that modulates bodily states and conditions. Within this context, Park accumulates on the canvas sensations shaped by a diasporic life, the physical and psychological disorientation caused by repeated long-distance travel and time differences, and the fundamental bodily experience of childbirth. Rather than converging into a fixed identity or narrative representation, these sensations are inscribed on the surface as rhythms of unstable transition and adaptation. Through repetition, layering, erasure, and overwriting, color and form emerge as visual manifestations of affect in motion, composing a fictional yet ecological space in which environmental, biological, and emotional factors coalesce.

For Park, the experience of her first childbirth in 2024 marked a fundamental turning point—one that extended her sense of existence beyond a merely bodily event and reorganized the structure of affect. Following this experience, she became attentive to the linguistic qualities inherent in primordial utterance—forms of expression that precede semantic language yet already possess rhythm and structure. Drawing from this encounter, she began composing her own contemporary verses. In the line, “The door opens and new breath passes into this world; through the gate of blood, the first cry finds its path,” the recurring symbolic images and rhythms of doors and breath, flesh and light resonate deeply with personal experience, further expanding the conceptual ground of her painting. Here, the body functions as a medium that carries memory and experience, existing not as a fixed form but as a state of energy in constant flow and transformation. This understanding of the body overlaps with bodily images that appear throughout Park’s work, giving rise, within the painterly process, to colors and forms that exceed representation. These emerge instead as traces, figures, and signs that surface unpredictably through the act of painting. Such signs pass again through landscape-like thresholds, expanding into an imagination in which they return to primordial material states—blood, water, milk, sea, wind, and vapor.

In particular, the physically constrained conditions surrounding childbirth paradoxically led Park to perceive space as endlessly expanding, akin to a nocturnal sea. In the recent works Conversation in Water (2025) and Echo in the Mist(2025), water operates beyond the role of background, functioning instead as a sensory field in which maternity and existence first encounter one another, and as a medium through which pre-linguistic dialogue emerges. Within the hospital room—where joy and isolation, fear and sorrow converge—the artist and her child sense one another without orientation or direction, as if feeling their way through darkness. These submerged scenes extend beyond personal memory, unfolding into primordial conditions in which relationships are generated and affect circulates. In subsequent works such as Chromatic Pulse (2025), Becoming Heat (2025), and Vapour (2025), Park attends to cyclical transitions in which climate becomes affect, affect becomes body, and the body in turn shifts into light and material. Within these works, rhythms of existence gradually dissolve boundaries, unfolding as scenes in which disparate states connect and merge into a single sensory continuum. Meanwhile, in Crimson Genesis (2025), the color red condenses a threshold moment in which the birth of life—and the emotional and corporeal penetration that accompanies it—erupts with intensity.

Park’s painting does not seek to reproduce abstract landscapes of emotion. Rather, it constitutes a field of thought that investigates the process through which affect and memory, environmental context, and bodily condition intertwine, disassemble, and recombine—tracing the formation and transformation of existence as a state. Affect transitions into body, the body is translated into color, and color expands into landscape before returning to the atmosphere of emotion. This cyclical rhythm, shaped through repetition, layering, bleeding, and erasure, forms a sensory structure that runs throughout the paintings. Here, color and form operate not merely as visual elements, but as sensations of the world in which breath, heat, water, cries, and traces of memory accumulate. Ultimately, Park’s work may be understood as an attempt to render the climate of affect, revealing how existence is continuously re-formed and attuned within ever-shifting conditions. If, standing before the works, a viewer experiences a subtle wavering of body and affect that comes into contact with deeply embedded layers of memory, that sensation marks the world Park proposes, and the point at which painterly temporality is realized.